Interview with the artist Manuela Sambo

By Dorina Hecht, March 2024 (English translation)

Manuela, you were born in Angola and came to Leipzig in 1984, at the age of 20, on a scholarship in the former GDR. When did you start working as an artist?

Yes, I came to Germany in 1984 to study German and literature in Leipzig. I had a scholarship from Angola and came to the GDR with a small group. After a year, I met my husband, Daniel Sambo-Richter. He was already an artist at the time. We often went to his studio and visited museums and exhibitions together. He taught me a lot. I started working as an artist alongside my studies around 1986. I didn't see it as art at first. I really enjoyed studying literature, but after I graduated I decided to focus entirely on art. My career as an artist began in the early 1990s and I had numerous exhibitions.

Before we talk about your painting, what did you work on at the beginning?

I started with very small masks made of pure papier-mâché. But the format quickly became too small for me. So I built up a larger basic structure from various materials such as wire and wood in order to create larger masks with papier-mâché.

Were you surrounded by masks as a child?

No. Only when I encountered ghost dancers, so-called N'gingangi, on my father's property in central Angola, who simultaneously frightened and impressed me.

What artistic works surrounded you in your childhood and youth? And how did this influence you as an artist?

As a child, I was surrounded almost exclusively by African art. At the same time, I encountered Western art in the form of church paintings. I only realized how much these early impressions influenced me through my own work. I didn't actually have any specific models for my masks. Nevertheless, it was surprising for me to realize how much I am connected to my own origins. My artistic work felt like a connection to my ancestors. I made sketches for the masks at the same time as modeling. I drew a lot as a teenager. That helped me to put my feelings on paper and to process themes from my childhood, such as the early death of my parents.

You lived through the last years of the GDR. What was it like for you and your husband to be an artist couple back then?

We were part of a very lively art scene. My husband comes from a family of artists and had a large circle of artists around him. Everything was new and exciting for me. We visited exhibitions, museums and were out and about in an exciting underground scene. We had our studios in our apartments, where we received many friends and artists.

So far you have talked about masks and sketches for these masks. In your older oil crayon drawings, there is always a female person in the center of the picture, often an undressed woman with lush body paint. In the beginning, you almost exclusively painted faces and individual female figures. Today you are known as an artist of large canvases. How did you continue to work after the masks?

As early as the 1980s, he created works on paper that were no longer sketches but independent paintings. These first pictures developed from the sketches for the masks. In the 1990s, the works became more and more mature. I became interested in European art history. I was very interested in figures of the Virgin Mary. There are some parallels to the depiction of femininity in Angola, but also many differences. I found that exciting. The woman is very important in Angolan tradition. In traditional art, motherhood and sexuality were emphasized, as well as magic, the mystical, the magical, the primordial feminine. European figures of the Virgin Mary, on the other hand, tend to have an enraptured expression. They have nothing sexual or carnal about them, rather something spiritualized and devotional. Mary is also a primordial mother. However, her physical attributes are not emphasized. That is why I found the very rare motif of Maria Lactans or Madonna Litta in the Christian tradition so exciting, because this Mary exposes one breast and thus emphasizes the nurturing. I see an interesting parallel to the Angolan tradition there, which fascinates me.

Your style is characterized by a great clarity in the painterly design and the concentration on the main forms of the picture. Your formal language has a special aesthetic due to its reference to the mask tradition. You also do without the iris in the eyes of your figures. Why is that?

The figures in my pictures are seeing, but in the sense of looking inwards. For me, this is a way of describing people in a supra-personal way. I have always been interested in the nature of masks. A mask transforms everyone into something immaterial, almost like a ghost. The person loses their individuality and becomes abstract. In this context, I realized that in its beginnings, Western modernism was primarily concerned with the abstraction that it had discovered in the visual language of non-European cultures, but which is already anchored in me through my origins and is inherent to me. In the process of reflecting on the development of Western art, I was interested in a reversal of this strategy, namely, as an African, to integrate certain parameters of early Western art, especially the Renaissance, into my work.

The bodies of your figures often have a whitish-grey incarnate and are decorated with ornaments. Sometimes you also use expressive colors such as red, green and blue for faces and bodies. Does the color come out of the painting?

Yes, I'm only interested in realistic skin colors to a limited extent. The color I choose has to do with the character of the figure portrayed, even though I'm not portraying a specific person, but rather a super-personal idea of that person. In “I Hope You Remember”, for example, each of the three women has a different color. I have processed events from my youth in it.

The ornamentation on the skin of your figures looks less like classic tattoos and more like protective clothing or energy lines. Is that the case?

For me, the figures in my pictures are only complete with these lines. The lines are created intuitively. They complete the expression of the figure not only formally, but also in terms of content. They complement the character. I simply let my hand guide me.

You have spoken about what interests you within your art: the nature of masks and the different ways of representing femininity, for example. To what extent are you inspired by themes? What is the source of your inspiration?

As I said, coming from African art, I was inspired by Renaissance painting. My husband also inspires me, we work in the same studio. Above all, I deal with my own themes, my world as a woman, my past in Angola - that's what I deal with. My art is deeply personally motivated and is fed by my inner worlds. It is almost individualistic. Nevertheless, it reflects social issues. Ultimately, the private sphere cannot be separated from external, social processes. In my pictures there are also references to themes such as danger, defense and powerlessness to be overcome.

How do your picture ideas come about? Do you plan the composition or the motifs in advance?

I don't actually have a specific composition in mind. I follow the simplest, roughly sketched picture ideas, start painting, searching, give chance room and so the picture gradually begins to grow out of itself. As the composition becomes more and more concrete, I slowly build up a relationship with the picture. This is a long process, almost floating, fragile. That's why I work on a picture for a relatively long time. I worked on “Libertas”, for example, for over a year.

“Libertas” is also the name of this catalog. What do you associate with this title and this picture?

Libertas Schulze-Boysen was the granddaughter of Count Philipp von Eulenburg. She spent part of her childhood at his Liebenberg Castle estate near Berlin. Initially a member of the NSDAP, she later joined the Red Orchestra resistance network, which was directed against the Hitler regime, together with her husband, Harro Schulze-Boysen. Her arrest and forced betrayal under pressure led to a wave of arrests of leading members of the resistance. Together with her husband and others in the group, she was sentenced to death and executed in Berlin Plötzensee. Libertas was only 29 years old. The same age as our daughter at the time I was working on this picture. The overriding feeling for me was the question of what heroism means. Is it not understandable when a young and very courageous person, who risked his life to fight for what was right, then commits “treason” under horrific conditions in a cruel and extremely dangerous time? This question preoccupied and agitated me while working on “Libertas”. Her spirit was present. I painted it during a working stay at Liebenberg Castle in the summer of 2020. My husband and I had a huge, unused but renovated barn at our disposal as a studio. It was a great and profound experience for me. In one of the archive photos, Libertas can be seen sitting on a corner pillar of a wall, which, as I was then able to make out, is exactly opposite the entrance to the studio barn. I could hear her carefree laughter, the laughter of a young woman.

Interview mit der Künstlerin Manuela Sambo

Von Dorina Hecht, März 2024, (German original)

Manuela, Du bist in Angola geboren und kamst 1984, mit 20 Jahren, durch ein Stipendium in die damalige DDR nach Leipzig. Wann hast du angefangen künstlerisch zu arbeiten?

Ja, ich bin 1984 nach Deutschland gekommen, um in Leipzig Germanistik und Literaturwissenschaft zu studieren. Ich hatte ein Stipendium aus Angola und bin mit einer kleinen Gruppe in die DDR gekommen. Nach einem Jahr lernte ich meinen Mann, Daniel Sambo-Richter, kennen. Er war damals schon Künstler. Wir gingen oft in sein Atelier und sahen uns zusammen Museen und Ausstellungen an. Er hat mir viel beigebracht. Ungefähr 1986 habe ich angefangen neben dem Studium künstlerisch zu arbeiten. Ich sah das am Anfang gar nicht als Kunst an. Ich studierte sehr gerne Literatur, aber nach meinem Diplom entschied ich mich ganz für die Kunst. Anfang der 1990er Jahre fing dann meine Laufbahn als Künstlerin an und hatte zahlreiche Ausstellungen.

Bevor wir über Deine Malerei sprechen, woran hast du anfangs gearbeitet?

Ich habe mit ganz kleinen Masken aus reinem Pappmaché angefangen. Aber mir wurde das Format schnell zu kein. Also habe ich mir aus verschiedenen Materialien wie Draht und Holz eine größere Grundstruktur aufgebaut, um mit Pappmaché auch größere Masken zu formen.

Warst du als Kind von Masken umgeben?

Nein. Erst bei der Begegnung mit Geistertänzern, sogenannten N’gingangi, auf dem Grundstück meines Vaters in Zentralangola, die mich gleichzeitig erschreckt und beeindruckt haben.

Welche künstlerischen Werke haben dich in deiner Kindheit und Jugend umgeben? Und wie hat dich das als Künstlerin beeinflusst?

Als Kind war ich fast ausschließlich von afrikanischer Kunst umgeben. Gleichzeitig begegnete ich der westlichen Kunst in Form von Kirchenbildern. Wie sehr mich diese frühen Eindrücke geprägt haben, wurde mir erst durch mein eigenes Arbeiten klar. Für meine Masken hatte ich eigentlich gar keine konkreten Vorbilder. Für mich war es trotzdem überraschend festzustellen, wie sehr ich mit meiner eigenen Herkunft verbunden bin. Meine künstlerische Arbeit fühlte sich an wie eine Verbindung zu meinen Ahnen. Parallel zum Modellieren habe ich Skizzen für die Masken gemacht. Ich habe als Jugendliche viel gezeichnet. Das hat mir geholfen, meine Gefühle aufs Papier zu bringen und Themen meiner Kindheit zu verarbeiten, wie den frühen Tod meiner Eltern.

Du hast die letzten Jahre der DDR erlebt. Wie war das damals für dich und deinen Mann, ein Künstlerpaar zu sein?

Wir waren Teil einer sehr lebendigen Kunstszene. Mein Mann kommt aus einer Künstlerfamilie und hatte einen großen Künstlerkreis um sich. Alles war neu und spannend für mich. Wir besuchten Ausstellungen, Museen und waren unterwegs in einer aufregenden Underground-Szene. Wir hatten unsere Ateliers in unseren Wohnungen, wo wir viele Freunde und Künstler empfangen haben.

Bisher hast du von Masken und Skizzen für diese Masken erzählt. Auf deinen älteren Ölkreidezeichnungen befindet sich immer eine weibliche Person zentral im Bild, oft eine unbekleidete Frau mit üppiger Körperbemalung. Anfangs hast du fast ausschließlich Gesichter und einzelne weiblichen Figuren gemalt. Heute kennt man dich als Künstlerin großer Leinwände. Wie hast du nach den Masken weitergearbeitet?

In den 1980er Jahren schon entstanden Arbeiten auf Papier, die keine Skizzen mehr waren, sondern eigenständige Bilder. Diese ersten Bilder haben sich aus den Skizzen für die Masken entwickelt. In den 1990er Jahren wurden die Arbeiten immer ausgereifter. Ich beschäftigte mich mit europäischer Kunstgeschichte. Marienfiguren interessierten mich sehr. Es gibt einige Parallelen zur Darstellung von Weiblichkeit in Angola aber auch viele Unterschiede. Das fand ich spannend. Die Frau ist sehr wichtig in der angolanischen Tradition. In der traditionellen Kunst wurden Mutterschaft und Sexualität betont, genauso Magie, das Mystische, das Magische, das Urweibliche. Europäische Marienfiguren haben dagegen eher einen entrückten Ausdruck. Sie haben nichts Sexuelles oder Fleischliches, eher etwas vergeistigt Hingebungsvolles. Maria ist auch Urmutter. Ihre körperlichen Attribute werden jedoch nicht betont. Daher fand ich das sehr seltene Motiv der Maria Lactans oder Madonna Litta in der christlichen Tradition so spannend, denn diese Maria entblößt eine Brust und betont so das Nährende. Dort sehe ich eine interessante Parallele zur angolanischen Tradition, die mich fasziniert.

Dein Stil ist geprägt von einer großen Klarheit in der malerischen Gestaltung und der Konzentration auf die Hauptformen des Bildes. Deine Formensprache besitzt durch die Anlehnung an die Maskentradition eine besondere Ästhetik. Außerdem verzichtest du bei den Augen deiner Figuren auf die Darstellung der Iris. Warum?

Die Figuren meiner Bilder sind sehend aber im Sinne eines Nach-Innen-Blickens. Für mich ist eine Möglichkeit, den Menschen überpersönlich zu beschreiben. Mich hat immer das Wesen der Masken interessiert. Eine Maske verwandelt jeden in etwas Immaterielles, fast so wie in einen Geist. Die Person verliert ihre Individualität, wird abstrakt. Mir wurde in diesem Kontext klar, dass die westliche Moderne sich in ihren Anfängen vor allem mit der Abstrahierung auseinandersetzte, die sie in der Bildsprache außereuropäischer Kulturen entdeckt hatte, die in mir aber schon durch meinen Ursprung verankert und mir eigen ist. Im Prozess der Reflexion über die Entwicklung der westlichen Kunst interessierte mich eine Umkehrung dieser Strategie, nämlich als Afrikanerin, gewisse Parameter der frühen westlichen Kunst, insbesondere der Renaissance, in meine Arbeit zu integrieren.

Die Körper deiner Figuren weisen oft ein weißlich-graues Inkarnat auf und sind mit Ornamenten versehen. Manchmal setzt du bei Gesichtern und Körpern auch expressive Farben wie Rot, Grün und Blau ein. Ergibt sich die Farbe beim Malen?

Ja. Realistische Hautfarben interessieren mich nur bedingt. Die Farbe, die ich wähle, hat mit dem Charakter der dargestellten Figur zu tun, obwohl ich ja keine konkrete Person darstelle, sondern eher eine überpersönliche Idee von diesem Menschen. In „I Hope You Remember“ hat zum Beispiel jede der drei Frauen eine andere Farbe. Ich habe darin Ereignisse meiner Jugend verarbeitet.

Die Ornamentik auf der Haut deiner Figuren wirkt weniger wie klassische Tätowierungen, sondern eher wie schützende Kleidung oder wie Energielinien. Ist das so?

Für mich sind die Figuren meiner Bilder erst mit diesen Linien vollkommen. Die Linien entstehen intuitiv. Sie vervollständigen den Ausdruck der Figur nicht nur formal, sondern auch inhaltlich. Sie ergänzen den Charakter. Ich lasse mich dabei einfach von meiner Hand leiten.

Du hast über das gesprochen, was dich innerhalb deiner Kunst interessiert: das Wesen der Masken und die verschiedenen Darstellungsweisen von Weiblichkeit zum Beispiel. Inwiefern lässt du dich von Themen anregen? Was ist die Quelle deiner Inspiration?

Wie schon gesagt, von der afrikanischen Kunst kommend, habe ich mich von der Renaissance Malerei inspirieren lassen. Auch mein Mann inspiriert mich, wir arbeiten im selben Atelier. Vor allem verarbeite ich meine eigenen Themen, meine Welt als Frau, meine Vergangenheit in Angola - damit setze ich mich auseinander. Meine Kunst ist zutiefst persönlich motiviert und wird aus meinen Innenwelten gespeist. Sie ist geradezu individualistisch. Dennoch reflektiert sie gesellschaftliche Themen. Das Private ist letztlich nicht von äußeren, von gesellschaftlichen Vorgängen trennbar. In meinen Bildern gibt es ebenso Verweise auf Themen wie Gefahr, Verteidigung und zu überwindende Ohnmacht.

Wie entstehen deine Bildideen? Planst du vorab die Komposition bzw. die Motive?

Eigentlich habe ich keine konkrete Komposition im Kopf. Ich folge einfachsten, grob skizzierten Bildideen, fange an zu malen, suchend, gebe dem Zufall Raum und so fängt das Bild allmählich an aus sich heraus zu wachsen. Mit dieser sich mehr und mehr konkretisierenden Komposition baue ich langsam eine Beziehung zum Bild auf. Das ist ein langer Prozess, fast schwebend, fragil. Daher arbeite ich relativ lange an einem Bild. An „Libertas“, zum Beispiel, habe ich über ein Jahr lang gearbeitet.

„Libertas“ heißt auch dieser Katalog. Was verbindest du mit diesem Titel und diesem Bild?

Libertas Schulze-Boysen war die Enkelin des Grafen Philipp von Eulenburg. Sie verbrachte einen Teil ihrer Kindheit auf seinem bei Berlin gelegenen Landgut Schloss Liebenberg. Erst Mitglied in der NSDAP, schloss sie sich später zusammen mit ihrem Mann, Harro Schulze-Boysen, dem Widerstandnetzwerk der Roten Kapelle an, das gegen das Hitlerregime gerichtet war. Durch ihre Verhaftung und ihrem unter Druck erzwungenen Verrat, folgte eine Verhaftungswelle führender Personen des Widerstandes. Zusammen mit ihrem Mann und anderen der Gruppe wurde sie zum Tode verurteilt und in Berlin Plötzensee hingerichtet. Libertas war erst 29 Jahre alt. So alt wie unsere Tochter zum Zeitpunkt meiner Arbeit an diesem Bild. Das vordergründige Gefühl dabei war für mich die Frage, was Heldentum bedeutet. Ist es nicht verständlich, wenn ein junger und sehr mutiger Mensch, der unter Einsatz seines Lebens für das Richtige kämpfte, dann aber unter grauenvollen Bedingungen in einer grausamen und extrem gefahrvollen Zeit „Verrat“ begeht? Diese Frage beschäftigte und wühlte mich bei der Arbeit an „Libertas“ auf. Ihr Geist war somit anwesend. Ich malte daran während eines Arbeitsaufenthaltes im Sommer 2020 auf Schloss Liebenberg. Als Atelier stand mir und meinem Mann eine riesige und zu diesem Zeitpunkt ungenutzte aber sanierte Scheune zur Verfügung. Für mich eine großartige und tiefgehende Erfahrung. Auf einem im Archivfoto ist Libertas sitzend auf einem Eckpfeiler einer Mauer zu sehen, der sich, wie ich dann ausmachen konnte, genau gegenüber dem Eingang zur Atelier-Scheune befindet. Ich konnte ihr unbeschwertes Lachen hören, das Lachen einer jungen Frau.